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Tim Burton über das Verlassen von Batman: „Ich glaube, ich habe McDonalds verärgert. ‚Damit können wir keine Happy Meals verkaufen!‘“

Tim Burton über das Verlassen von Batman: „Ich glaube, ich habe McDonalds verärgert. ‚Damit können wir keine Happy Meals verkaufen!‘“



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Der legendäre amerikanische Regisseur Tim Burton verrät, warum er die „Batman“-Trilogie nicht abgeschlossen hat

Der legendäre amerikanische Regisseur Tim Burton verrät, warum er die „Batman“-Trilogie nicht abgeschlossen hat.

Während eines kürzlichen Videointerviews mit Yahoo Movies sprach Regisseur Tim Burton über seine lange Karriere und einige seiner Lieblingsprojekte, darunter seinen Film von 1989, Batman. Der Film war ein Kritiker- und Kassenerfolg und führte zu Batman kehrt zurück im Jahr 1992. Obwohl Burton ursprünglich geplant war, die gesamte Trilogie zu inszenieren, diente er nur als Produzent des letzten Films. Batman für immer, während dieser Zeit verließ Michael Keaton die Titelrolle und wurde durch Val Kilmer ersetzt.

Im Interview dieser Woche verrät Burton, warum er die Trilogie trotz des Erfolgs der beiden vorherigen Filme verlassen hat:

„Ich glaube, ich habe McDonalds verärgert. [Sie fragten] ‚Was ist das für ein schwarzes Zeug, das aus dem Maul des Pinguins kommt? Damit können wir keine Happy Meals verkaufen!’ Es war eine seltsame Reaktion auf Batman kehrt zurück, weil die Hälfte der Leute dachte, es sei heller als das erste und die Hälfte der Leute dachte, es sei dunkler. Ich denke, das Studio fand es einfach zu seltsam – sie wollten etwas kinder- oder familienfreundlicheres machen. Mit anderen Worten, sie wollten nicht, dass ich noch einen mache.“


15 Dinge, die Sie nie über Tim Burtons gescheiterter dritter Batman-Film wussten

Wenn Tim Burton nicht durch Joel Schumacher ersetzt worden wäre, hätte er vielleicht seinen besten Batman-Film aller Zeiten gedreht. Sehen Sie, wie gut der abgesagte Film hätte sein können.

Das ist über 25 Jahre her Batman kehrt zurück in den Kinos gelandet. Obwohl Tim Burton einige der einzigartigsten (und oft bizarrsten) Filme in Hollywood gedreht hat, ist es schwer zu vergessen, wie nahe er Gotham zum dritten Mal besuchte.

Nach seiner trittsicheren Einführung des Caped Crusader in Batman, zu seiner völlig verrückten Fortsetzung in Batman kehrt zurück, Tim Burton war bei seinem dritten Versuch auf Größe vorbereitet. Wie es das Schicksal wollte, entschied Warner Bros. natürlich, dass Batman eine neue kreative Richtung brauchte. Warner Bros. war weniger an künstlerischer Integrität interessiert und mehr fasziniert vom Merchandising-Potenzial der beliebtesten Figur von DC Comics.

Obwohl das Studio einen Mord gemacht hat mit Batman für immer, sie haben auch das Franchise getötet. Nach den brutal schlechten Wortspielen und angespannten Darbietungen blieb eine Sehnsucht nach Tim Burtons magischem Touch zurück. Er hatte alle Zutaten für einen unglaublichen letzten Akt: Robin Williams als The Riddler, Brad Dourif als Scarecrow und Michael Keaton an der Spitze seines Spiels. Wir können die Größe dessen, was hätte sein können, nur erahnen.

Hier sind 15 Dinge, die Sie über Tim Burtons gescheiterter dritter Batman-Film nicht wussten.


Kritik: Tim Burtons „Big Eyes“ fühlt sich zu nach Zahlen an

Ob mit der bizarren und doch süßen Sentimentalität von „Edward Scissorhands“ und „Beetlejuice“, der brillanten Oscar-nominierten Stop-Motion-Animation von „Frankenweenie“ und „Corpse Bride“ oder der Dreistigkeit seiner „Batman“-Neustarts, Tim Burton war schon immer einer der mutigsten Visionäre des Films. Außer wenn es um Frauen geht.

Wenn sie nicht von der dreisten, animierten Sorte sind, sind Burtons weibliche Charaktere im Allgemeinen weniger überzeugend, als man es von dem Regisseur erwarten könnte, dessen unkonventionelle Fantasie sich an unzähligen wunderbar schrägen Geschichten erfreut hat.

Mit Fleisch und Blut „sie“ im Mittelpunkt, zögert er. Als wären sie zu zerbrechlich, als ob seine ausgefallenen Ideen zu imposant wären. Bitte, Miss, entschuldigen Sie meine Exzentrizitäten, wenn Sie so wollen.

Burtons jüngster Film „Big Eyes“ schien eine ideale Gelegenheit zu sein, das Muster zu durchbrechen. Mit Amy Adams und Christoph Waltz als co-abhängigen Ehemann und Ehefrau so ausgefallen, dass es zweifelhaft ist, dass sogar Burton sie sich hätte ausdenken können, schien dies eine Chance zu sein, dem Kaninchenbau zu entgehen, der sein neu erfundenes "Alice im Wunderland" verschlang, das wild theatralisch ist, außer für Mia Wasikowskas Alice, eher höflich als gereizt.

Dieser Film führt uns in die abgedrehte Welt von Margaret Keane (Adams), der Künstlerin, deren großäugige Waisen zu einem Popkulturphänomen der 60er Jahre wurden. Ihr kontrollierender Ehepartner Walter (Waltz) war ein Künstler ganz anderer Art, der seine Frau dazu brachte, ihn für ihre Arbeit anerkennen zu lassen und die Welt dazu zu bringen, es zu glauben. Überall im Film sind diese Keane-Augen – enorm dunkel, unglaublich traurig – an Wänden gerahmt, in Galerien zu sehen, die auf Leinwand in Margarets Atelier auftauchen, hinter verschlossenen Türen, so dass keine anderen Augen sehen konnten.

Aber dieses Porträt einer Frau am Rande des Erfolgs, der Unterdrückung, der Unterwerfung, der Rebellion wird nie vollständig realisiert. Bei all dem Aufruhr um sie herum ist Margaret zu oft in stummer Konzentration vor einer Leinwand stationiert. Wie im wirklichen Leben der Künstlerin darf ihr Ehemann Walter im Rampenlicht stehen. Ihre Tochter wird mit Unterbrechungen für einen dramatischen Effekt eingezogen.

Vielleicht ist ein Teil des Auf Zehenspitzens um Margaret, die noch lebt und im wirklichen Leben malt, auf Burtons Unfähigkeit zurückzuführen, das Gefühl abzuschütteln, dass diese Augen ihn beobachteten. Oder seine Angewohnheit, sich von den Nebenfiguren – Helena Bonham Carters Rote Königin in „Alice“ oder Michelle Pfeiffer in „Batman Returns“ von 1992 – verzaubern zu lassen, glänzt und funkelt als Selina Kyle/Catwoman.

Das Drehbuch, geschrieben von Scott Alexander und Larry Karaszewski, die dem Biopic des Regisseurs über den berüchtigten B-Movie-Regisseur „Ed Wood“ so skurrile Energie und Zuneigung verliehen haben, ist ebenso eine Skizze einer Mittelklasse-Ehe der 1950er Jahre wie eine von eine Künstlerin.

„Big Eyes“ beginnt mit Margarets Flucht aus ihrer ersten Ehe – mit Tränen in den Augen, mit einer Hand ihre Tochter, mit der anderen das Lenkrad des Autos greifend. Bald beginnt sie ein neues Leben in der Bay Area, fällt Walter in die Arme und ist in seinen Bann gezogen. Obwohl er vorgibt, auch ein Künstler zu sein – Pariser Straßenszenen sein Spezialgebiet – ist er eher Betrüger als Maler. Doch so hinterhältig Walter auch ist, der Film lässt einen fragen, ob der Erfolg der Arbeit ohne ihn so groß gewesen wäre.

Margarets Sicht auf den Platz einer Frau stammt aus einer anderen Zeit, kurz bevor die steigende feministische Flut der 1960er Jahre die Nation fegen würde. Der Konflikt hängt mit ihrem wachsenden Ressentiment über die Entlassung zusammen – als Frau und als Künstlerin. Dominiert von Männern, getrieben von ihrer Kunst, während sie und Walter sich um die Bilder streiten, hört man das Echo anderer Ehemänner und Ehefrauen, die über die Idee der Gleichberechtigung streiten.

Das Hin und Her zwischen ihnen – Walter zunehmend kontrollierend, Margaret ängstlich genug, um zu erwägen, zu fliehen – macht die Geschichte dunkel, während das Haus, in dem sie leben, sonnenverwöhntes Licht ist. Burton ist immer ein solcher visueller Regisseur und spielt auf interessante Weise mit den kontrastierenden Texturen und Tönen.

In einer der Burton-esksten Szenen des Films landet das Paar vor Gericht, während Walter einen Dandy spielt, der sich selbst verteidigt und zwischen dem Verteidigungstisch und dem Zeugenstand hin und her rennt. Schließlich befiehlt der Richter den beiden, für die Jury zu malen. Was sich entfaltet, ist eine Komödie innerhalb des Wettbewerbs, der Regisseur fängt die surreale Szene genau richtig ein.

Aber meistens entfaltet sich „Big Eyes“ wie so viele Filmbiografien, etwas zu wörtlich und linear – dann passiert das, dann das.

Der Film kommt mit all dem Feinschliff des Filmemachers, der Ära wunderschön gekleidet, entworfen und gedreht von einer erstklassigen Crew unter der Leitung von Kameramann Bruno Delbonnel, Produktionsdesigner Rich Heinrichs und einer inspirierten Colleen Atwood, wie Heinrichs, eine häufige Mitarbeiterin bei Burton-Projekten .

Adams ist eindringlich, wenn er unterwürfig spielt, die Augen unsicher, die Lippen beben. Aber irgendwie fühlt es sich immer noch zu sicher an, ohne die gleichen emotionalen Risiken, die ihre Arbeit auszeichnen, eine breite Palette, darunter der sexy, smarte Moll im letzten Jahr in „American Hustle“ und der Umgang mit dem heißen Ofen in „Julie & Julia“ mit Meryl Streep.

Waltz hingegen treibt Walter auf die Spitze, irritiert in seiner fordernden Berechtigung, dem Lächeln aufgesetzt. Die schlaue Sensibilität, die der Schauspieler anderen floriden Charakteren entgegengebracht hat – einem Nazi-Oberst in „Inglourious Basterds“, einem dreisten Kopfgeldjäger in „Django Unchained“ – ist auf Eis gelegt.

Sowohl Adams als auch Waltz erhielten für ihre Bemühungen Golden Globe-Nominierungen, wurden jedoch von der Screen Actors Guild umgangen.

Die amerikanischen Vorstädte der späten 1950er und frühen 60er Jahre sind eine Zeit, in der Burton gerne herumschnüffelt. Indem die Regisseurin alle Nuancen von Margarets Situation herausarbeitet, kanalisiert die Regisseurin die Konformität besser als den Ehrgeiz und das Bedürfnis, die sie antreiben.

In diesem Sinne ist „Big Eyes“ Burtons bisher bodenständigstes Werk, so konventionell wie die Zeit. Bei weitem nicht so unorthodox wie das Thema oder der Regisseur selbst.

MPAA Wertung: PG-13 für thematische Elemente und kurze, starke Sprache


TIM BURTON ÜBER "BATMAN", "EDWARD SCISSORHANDS" UND DIE TEEN-FANS VON "THE NIGHTMARE BEFORE CHRISTMAS"

Am 25. Dezember wird Tim Burton veröffentlicht Große Augen, eine historische Dramedy über die bizarre, wahre Geschichte von Walter und Margaret Keane, dem Paar hinter diesen berühmten kitschigen Gemälden von rehäugigen kleinen Kindern, die in den 1960er Jahren eine Sensation wurden.

Der Film – mit Amy Adams und Christoph Waltz – wird der 17. Spielfilm sein, bei dem Burton in seiner über 30-jährigen Karriere Regie geführt hat.

Burton war schon immer ein ungewöhnlicher Filmemacher, ein halb-exzentrischer Visionär, der Filme über Außenseiter aus dem Hollywood-Studiosystem dreht.

Er sprach mit Yahoo-Filme über seine Karriere und einige seiner bekanntesten Filme, darunter Pee-wees großes Abenteuer, Beetlejuice, Batman, Edward mit den Scherenhänden und Der Albtraum vor Weihnachten'''.

Sehen Sie sich die Highlights im Video oben und einige weitere Gedanken von Burton unten an:

Warum Michael Keaton verrückt genug für Batman von 1989 schien:
"Es wurde viel kritisiert, weil es zu dunkel war, und es gab viel Kritik für die Besetzung von Michael Keaton. Sie dachten, es würde eine Komödie oder was auch immer werden, aber es fühlte sich sehr speziell an. Wir haben diese großen, harten Kerle getroffen, aber das Ergebnis war, dass man jemanden wie Michael ansieht und denkt: 'Hier ist ein Kerl, den man sehen kann, der sich wie eine Fledermaus verkleidet.' Er hat die Augen und die Art von verrückter Qualität und die Art von Innenleben, aber er ist nicht Arnold Schwarzenegger.

Also, hier ist jemand, der eine Persönlichkeit schaffen musste, um Leute zu erschrecken und einzuschüchtern, und Michael schien einfach die perfekte Person dafür zu sein. Das Studio war sehr unterstützend. Gott sei Dank war das Internet damals noch nicht so groß, denn wir wären wirklich ermordet worden. Aber auch ohne Internet gab es viel Negativität und Alarm.“

Als ich nach der Fortsetzung von 1992 Gotham City verließ, Batman kehrt zurück:

„Ich glaube, ich habe McDonalds verärgert. [Sie fragten] ‚Was ist das für ein schwarzes Zeug, das aus dem Maul des Pinguins kommt? Damit können wir keine Happy Meals verkaufen!’ Es war eine seltsame Reaktion auf Batman kehrt zurück, weil die Hälfte der Leute dachte, es sei heller als das erste und die Hälfte der Leute dachte, es sei dunkler. Ich denke, das Studio fand es einfach zu seltsam – sie wollten etwas kinder- oder familienfreundlicheres machen. Mit anderen Worten, sie wollten nicht, dass ich noch einen mache.“

Über die Schwierigkeit der Herstellung Edward mit den Scherenhänden selbst nachdem er ein A-Listen-Direktor wurde:

Nach Käfersaft und Pipi-Wee und Batman [waren] erfolgreich, ich dachte, ich könnte tun, was ich wollte. Da habe ich gelernt, dass jeder Film schwer zu machen ist. Selbst nach Batman, präsentierte eine Geschichte über einen Kerl mit Scherenhänden – sie waren nicht die enthusiastischsten.

Aber das war ein besonderer Film für mich, weil es Gefühle waren, nicht autobiografisch, sondern das Gefühl, sich als Teenager so zu fühlen. Es war sehr repräsentativ und symbolisch für viele Gefühle, die ich hatte.

Über die „skurrile“ Produktion der Stop-Motion-Animation Der Albtraum vor Weihnachten, das Disney unter seinem eher erwachsenenorientierten Touchstone-Banner veröffentlichte, das schließlich 75 Millionen US-Dollar an Kinokassen erreichte:

"Es war seltsam, denn zu der Zeit hatte ich das noch nie in meinem Leben gehört: Sie wollten keinen Trailer dafür aufstellen. Sogar schreckliche Filme, für die Sie Trailer haben. Das war eine seltsame Sache. Sie haben es im Grunde [gemacht], weil ich es vor vielen Jahren [bei Disney] entworfen hatte, und ich sagte: „Ihr wollt das nicht wirklich machen, lasst es mich woanders hinbringen.“ Und anstatt es woanders hingehen zu lassen, sie lassen es geschehen. Es hat nicht viel gekostet. Aber als wir weitermachten, wussten sie nicht, was es war. Es war ein seltsamer Film, der später immer erfolgreicher wurde."

Und wie Der Albtraum vor Weihnachten ist zum inoffiziellen Film der Emo-Teenager geworden:

"Ich habe Leute gesehen, die tolle Tattoos haben. Das ist für mich das Erstaunlichste, besser als jede Rezension, besser als jede Kinokasse, besser als alles andere, wenn es die Menschen so tief berührt."

Ob er bei Hot Topic war, wo Albtraum vor Weihnachten Gang ist immer noch in Mode.

Ob er zurückgehen und Dinge in seinen Filmen ändern würde:

„Nein, ich weiß, dass einige Leute die Spezialeffekte in Filmen oder was auch immer aktualisieren, aber ich denke immer, dass es eine Art Zeitkapsel ist. Es ist wie eine plastische Chirurgie – ich würde lieber die Falten und Warzen der Menschen sehen, als etwas zu sehen, das beschönigt wurde.“

Auf seinem unproduzierten Übermensch Film, der Nicolas Cage in der Hauptrolle spielen sollte:

"Wir gingen den gleichen Weg, um [die Übermensch Story] auf einer menschlicheren und emotional fundierteren Ebene. Und es ist ziemlich verheerend, wenn man so lange an einem Projekt arbeitet und es nicht passiert."

Über computergenerierte versus praktische Spezialeffekte:

"Ich versuche, es als Werkzeug zu verwenden, um alles zu erreichen, was Sie erreichen wollen. Als Animator zum Beispiel auf Alice im Wunderland, zu der Zeit war ich kein großer Fan von Motion Capture, also haben wir viele davon reine Animationen gemacht, nur weil ich der Meinung war, dass es ein besseres Timing hat. Sie verwenden jedes Medium für das Projekt und versuchen, es wie eine Figur zu behandeln. Wenn es ein praktischer Effekt ist, macht es immer Spaß, weil es die Schauspieler und die Crew mit dem verbindet, was Sie tun, anstatt sich in diesem leeren Raum mit einem grünen Bildschirm zu befinden.“

Zu seiner öffentlichen Person:
"Ich bin kein dunkler Mensch. Meine Filme sind ziemlich leicht, finde ich. Vor allem so wie sie jetzt sind, sehen meine aus wie ein unbeschwertes Herumtollen."


Bye bye Batman: Sollte sich Ben Affleck als der umhüllte Kreuzritter verbeugen?

Wenn es auf der großen Leinwand einen „Batman-Fluch“ gibt, der diejenigen betrifft, die Cape und Kutte übergezogen haben, ist es nicht immer ein dauerhafter. George Clooney erholte sich von der Darstellung einer verhassten Version von Gothams dunklem Ritter für Joel Schumacher in Batman & Robin 1997 und wurde einer der berühmtesten Schauspieler und Filmemacher Hollywoods. Christian Bale ist selten lange nicht im Rampenlicht der Preisverleihungssaison, und Michael Keaton erlebt derzeit ein goldenes Karriere-Revival, das ihn sogar zu Superheldenfilmen zurückgekehrt hat.

Es wäre jedoch fair zu sagen, dass die Rolle so etwas wie ein vergifteter Kelch sein kann. Clooney hatte vielleicht das Glück, sich von der kritischen Betäubung von Schumachers Film zu erholen (sein Co-Star Chris O’Donnell tat es nie wirklich) und Val Kilmers Karriere kam sicherlich ins Rutschen, nachdem er 1995 die Hauptrolle in Batman Forever übernommen hatte. Beide Schauspieler hatten das Pech, als Batman gecastet worden zu sein, während Warner Bros Schumacher ermutigte, seiner Vorliebe für Kitsch und Camp als Reaktion auf Tim Burtons gotische Version des umhüllten Kreuzfahrers in 1989 Batman und 1992 Batman Returns zu frönen.

Der aktuelle dunkle Ritter Ben Affleck muss ebenfalls Sympathie auf sich ziehen, da er auf der gestrichelten Linie zu einer Zeit unterschrieben hat, als Warner verwirrt scheint, wie er Batman auf der großen Leinwand darstellen soll. In der einen Minute ist er der wütende Hauptdarsteller von Batman v Superman: Dawn of Justice, in der nächsten knackt er seine Intelligenz und zeigt Reue für seine früheren Fehler in der aktuellen Justice League.

Sehen Sie sich den Trailer zu Justice League an - Video

Niemand weiß genau, welcher Batman in Matt Reeves' bevorstehendem Solo-Ausflug für den umhüllten Kreuzritter The Batman auftauchen wird, aber es wird immer wahrscheinlicher, dass er von jemand anderem als Affleck dargestellt wird. Im Vorfeld der Veröffentlichung der Justice League von USA Today interviewt, weigerte sich der Oscar-Preisträger, sein Engagement für das Projekt zu bestätigen, das er einst leiten sollte, und sagte lediglich, dass es „etwas bleibt, über das ich nachdenke“. Für Warner vielleicht noch beunruhigender, deutete Affleck an, dass der Film ein Endspiel für seinen kurzen Aufenthalt in Cape and Cowl darstellen könnte, und fügte hinzu: „Du machst es nicht für immer, also möchte ich einen anmutigen und coolen Weg finden, um aus dem [die Rolle]."

Als Batman in drei Filmen in zwei Jahren aufzutreten (Dawn of Justice, dieser falsch eingeschätzte Cameo-Auftritt von Suicide Squad und Justice League) wäre einst als viel angesehen worden. Aber wir leben in einer Ära, in der Robert Downey Jr. Iron Man in den letzten neun Jahren erstaunlich acht Mal dargestellt hat (einschließlich Cameos) und mindestens zwei weitere Auftritte in der kommenden Avengers: Infinity War und seiner Fortsetzung von 2019 hat. Wenn Affleck jetzt aufhört, wird seine Tätigkeit als Kreuzritter mit einem Umhang als erbärmlicher Misserfolg angesehen, der dazu verdammt ist, sich neben Clooneys einziger Batnippled-Runde in den "schlechtesten Batman" -Listen von jetzt an bis zum Ende der Zeit in Erinnerung zu bleiben.

Da Warners DCEU-Filme an den Kinokassen gut abliefen, schien es immer wahrscheinlich, dass Studiomanager Affleck durchhalten würden, bis sie über eine Formel stolperten, die das Beste aus ihm herausholen sollte. Dawn of Justice und Suicide Squad haben trotz all der kritischen Brickbats finanziell gut genug abgeschnitten, um dieses neueste Superhelden-Kinouniversum mit der Chance zu verlassen, an einem anderen Tag zu kämpfen. Aber Justice League scheint trotz geringfügig positiverer Kritiken als ihre Vorgänger die bisher leistungsschwächste Episode zu sein.

Es gibt Gerüchte, dass Jake Gyllenhaal, der einst von Warner für den Film, der schließlich zu Christopher Nolans Batman Begins wurde, in Betracht gezogen wurde, Affleck ersetzen soll. Dies löst nicht ganz das Problem, wie Reeves 'angeblich noir-gefärbte Sicht auf den umhüllten Kreuzritter mit dem bombastischen Epos der CGI- und Marvel-artigen Inter-Superhelden-Wisseknacken der Justice League synchronisiert werden soll. Aber der Umzug würde dem Regisseur von War for the Planet of the Apes die Chance geben, eine neue Batman-Ära mit einem frischen Gesicht einzuleiten.

Ein Teil des Problems mit dem gesamten Batfleck-Fandango ist, dass es schwer vorstellbar ist, dass sich dieser neue Batman von dem berühmten Schauspieler unterscheidet, der ihn spielt. Wenn Bruce Wayne sexistische Kommentare zu Gal Gadots Wonder Woman in Dawn of Justice macht, werden wir an Afflecks jockistische Darstellung vor mehr als einem Jahrzehnt während der Werbung für den Film Jersey Girl erinnert. Wenn Batman die meiste Zeit damit verbringt, sich für seinen Anteil am Tod von Superman in der Justice League zu entschuldigen, fühlt es sich an, als würde er sich dafür entschuldigen, dass Dawn of Justice die Musterung nicht bestanden hat. Das Publikum möchte, dass Affleck voll in die Rolle investiert und seine Leistung aus dem Park geworfen hat, um uns daran zu erinnern, warum wir den Kreuzritter mit Umhang in erster Linie lieben. Stattdessen bekommen wir einen Schauspieler, der scheint, als wäre er lieber irgendwo anders.

Wäre Gyllenhaal besser? Sicherlich ist dies ein Schauspieler, der immer wieder bewiesen hat, dass er in Rollen verschwinden kann, und er scheint besser zu Reeves 'umstrittener neuer Trilogie zu passen, die angeblich Batmans berühmte Detektivfähigkeiten betont (im Gegensatz zu der kolossal gerahmten Waffe). -toting, ultra-gewalttätiger Batfleck von Dawn of Justice).

Der derzeitige Amtsinhaber wird seinen Wunsch, die DCEU zu verlassen, möglicherweise nicht auf Hochtouren bringen. Aber nach seiner unzureichenden Leistung in der Justice League zu urteilen, würde sich Affleck wahrscheinlich nicht zu sehr über einen erzwungenen Abgang beschweren. Es könnte durchaus in jedermanns Interesse sein, diesen hässlichen, tyrannischen dunklen Ritter endlich etwas tun zu lassen, das der traditionellen Vorliebe des Superhelden für schattenhaftes Understatement entspricht, und einfach sanft in die Gotham-Nacht schlüpfen, um nie wieder gesehen zu werden.


Diese jüngsten Superhelden-Momente sind so sexistisch, dass Sie nicht glauben werden, dass sie in den letzten 5 Jahren entstanden sind

Abgesehen von buchstäblich allem, was Donald Trump jemals gesagt hat, waren die letzten Jahre wohl großartig für den Feminismus. Und die Popkultur hat, zumindest größtenteils, darauf reagiert, indem sie uns eine neue Klasse interessanter, vielfältiger weiblicher Hauptdarsteller gebracht hat. Aber Sexismus ist nicht die Berliner Mauer. Sie können es nicht mit Vorschlaghämmern abreißen und es beenden. Sexismus kann hinterhältig sein. Es kann subtil sein. Es kann sich sogar in die tollsten und wohlmeinendsten Filme einschleichen. Vor allem das Superhelden-Genre macht große Fortschritte&mdashuh, hallo, Wonder Woman!&mdashaber wir haben noch einen Weg vor uns. Hier sind sechs Beispiele dafür, wie Hollywood alles falsch gemacht hat.

Der Periodenbezug in "Batman: The Killing Joke"

Die Szene: Für diejenigen, die sich nicht auskennen, Der tödliche Witz ist einer der wegweisenden Batman Geschichten, in denen The Joker Commissioner Gordon entführt und seine Tochter Barbara&mdashAKA Batgirl lähmt. Als der Animationsfilm im Juli 2016 in die Kinos kam, wurde der Geschichte ein dreißigminütiger Prolog hinzugefügt. Der Prolog folgt Batgirl in einer durchschnittlichen Nacht der Verbrechensbekämpfung, und einer der Kriminellen, die sie verfolgt, macht zunehmend sexistische Kommentare. Batgirl schlägt den Verbrecher dann fast zu Tode.

Warum es sexistisch ist: Es ist nichts falsch daran, der einzigen weiblichen Figur in deiner Geschichte ein bisschen mehr Handlungsspielraum zu geben, aber es ist klar, dass die Filmemacher sich nicht um sie kümmern Real Herausforderungen, die Batgirl als weibliche Verbrechensbekämpferin hat. Sie versuchen nur schlecht, den Frauen im Publikum zu gefallen, indem sie eine "starke" weibliche Figur zeigen, die Männer schlägt. Dies ist eine sehr alte, sehr dumme Definition von "Girl Power", die vor zwanzig Jahren genauso eklig war wie heute.

Catwomans Framing in "The Dark Knight Rises"

Die Szene: In Christopher Nolans böser Ehrfurcht Dunkler Ritter Trilogy, Catwoman ist eine verführerische, sexy Frau, die mit einer anderen Frau in Armut lebt. Sie verbündet sich mit Bane, um Batman zu besiegen, bevor sie erkennt, dass &mdashgasp!&mdashBatman der unerträgliche, aber attraktive Milliardär ist, den sie ausgeraubt hat, Bruce Wayne!

Warum es sexistisch ist: Zugegeben, es gibt ein paar Dinge, die die Nolan-Brüder beim Schreiben von Catwoman richtig gemacht haben. In einer Szene gibt sie vor, hysterisch zu sein, um der Polizei zu entgehen, weil sie weiß, dass die Polizei eine emotionale Frau ignorieren wird. Sie ist sich des Sexismus um sie herum bewusst und nutzt ihn zu ihrem Vorteil. Das gefällt mir. Aber am Ende des Tages ist sie eine weitere weibliche Figur, die in lächerlichen Stilettos kämpft, so gut wie nichts zur Handlung beiträgt und in Winkeln gefilmt wird, die sich unnötig auf ihren lederbekleideten Hintern konzentrieren. Wenn Sie einen Film sehen möchten, der Catwomans Komplexität und Sexappeal in Einklang bringt, schauen Sie sich Tim Burtons an Batman kehrt zurück.

The Hulk Saving Black Widow in "Avengers: Age of Ultron"

Die Szene: Viele Leute haben ein Problem mit der Szene, in der Black Widow The Hulk von ihrer Zwangssterilisation erzählt. Aber es war unbeholfen, es war gut gemeint und drückte die Komplexität von Black Widows Emotionen in diesem Moment aus. Die Szene, die Ja wirklich zerzaust meine Federn kommt später im Film, als Black Widow aus dem Nichts entführt wird und schnell einen Weg findet, um Hilfe zu rufen, damit sie von ihrem Liebesinteresse, The Hulk, gerettet werden kann.

Warum es sexistisch ist: Diese Sackgasse in der Handlung hat keinen Sinn und entfernt sie und nichts an der Geschichte ändert sich. Der einzige Grund dafür ist, dass Black Widow die einzige Frau im Team ist und wir es gewohnt sind, dass Frauen von Männern gerettet werden. Hinzu kommt die unnötige Liebesgeschichte (und die Tatsache, dass ihr Charakter nichts zur Förderung der Handlung beiträgt), und wir haben einen völlig anderen Charakter als die Schwarze Witwe, die so viel in den Hintern getreten hat Die Avengers versammeln sich.

Starlord rettet Gamora in "Guardians of the Galaxy"

Die Szene: Gamora ist die Lieblingstochter von Thanos und eines der einschüchterndsten Wesen im Marvel-Universum. Sie soll eine Killermaschine sein, und wir sehen sogar einige ihrer Fähigkeiten, die im Kampf gegen Starlord eingesetzt werden. Aber dann wird die Bande verhaftet und ins Gefängnis geschickt, und mitten in der Nacht bemerkt Starlord, dass einige Schläger Gamora gefangen genommen haben. Er rettet ihr das Leben und ihre witzige Geplänkel/sexuelle Chemie beginnt ernsthaft.

Warum es sexistisch ist: Lassen Sie es mich noch einmal sagen: Gamora ist angeblich einer der gefährlichsten Menschen der Galaxis. Warum ist sie dann plötzlich nicht in der Lage, sich gegen irgendwelche zufälligen Weltraumschläger zu verteidigen? Weil sie die einzige Frau im Team ist, und daher muss sie nach Hollywood-Logik in einer Beziehung mit der Hauptfigur stehen und daher schwächer sein als er. Der beste Weg, sie dazu zu bringen, sich in Starlord zu verlieben und seine Stärke aufbauen? Lass ihn sie retten, auch wenn es keinen Sinn macht. In dieser einen Szene verwandelt sich Gamora davon, sich im Team zu behaupten (und zur Handlung beizutragen), und wird für den Rest des Films zum "Chick" der Gruppe.

Die Harley Quinn/Joker-Romanze in „Suicide Squad“

Die Szene: Ein bedeutender Teil dieses Films ist Harleys Hintergrundgeschichte gewidmet und wie sie von ihrem psychiatrischen Patienten The Joker manipuliert und verführt wurde. Seitdem ist sie seine anbetende und gehorsame Handlangerin.

Warum es sexistisch ist: Die Joker-Harley-Beziehung war schon immer verdreht und missbräuchlich, und deshalb ist sie so herzzerreißend und faszinierend. In den Comics hat Harley gezeigt, dass sie viele Zweifel an ihrer Beziehung hat und immer wieder zurückkehrt. Es ist ein realistischer, wenn auch verstörender Blick darauf, warum Frauen bei schrecklichen Partnern bleiben. In dem Film wird jedoch gezeigt, dass Harley keine Zweifel hat und sie liebt den Joker, egal was er tut. Und das ist einfach krass.

Mystique wird Extremist, weil ein Junge sie für hässlich hält in „X-Men: First Class“

Die Szene: Mystique beschäftigt sich seit ihrer Kindheit mit Körperbildproblemen (wer kann es ihr verdenken, sie ist blau!), aber ihr Gefühl der Entfremdung spitzt sich zu, als ein Junge, den sie mag (AKA Beast), ihr sagt, dass alle ungewöhnlich aussehenden Mutanten hässlich sind. Dann fällt sie in die Arme von Magneto, der liebt wie sie aussieht. Mit dieser positiven Bestätigung hat Mystique plötzlich mehr Sympathie für Magnetos politische Ansichten und schließt sich seiner extremistischen Gruppe an.

Warum es sexistisch ist: Du machst Scherze, oder.

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FILM Look, Ma, No Hands oder Tim Burtons neueste Leistung

'⟚s ist das unangenehmste, was ich je in einem Film erlebt habe,'', sagte der Schauspieler Johnny Depp zwischen einem Zug an einer Zigarette, die ihm ein Assistent an einem behelfsmäßigen Kakerlakenclip gereicht hatte. Mr. Depp war von Adams Apfel bis zu den Zehen in hautenges schwarzes Leder gekleidet. Sein Haar war eine Masse schwarzer Strähnen, und sein Gesicht war wie ein Pantomime geschminkt, nur dass es mit prothetischen Narben bedeckt war. Am verblüffendsten waren die Sätze tödlich aussehender Klingen, wo seine Hände hätten sein sollen.

Mr. Depp war die Titelfigur in Tim Burtons neuem Film '⟭ward Scissorhands, der diesen Sommer gedreht wurde und im Spätherbst erscheinen soll. ''I'm angeschnallt und angeschnallt,' sagte er über seine Kleidung und das Rig an seinen Händen. ''Ich fühle mich wie in einem alten Matrosenkofferraum, aus dem ich nicht mehr herauskomme.''

Letztes Jahr zu dieser Zeit war ein weiterer Film von Mr. Burton, '➺tman,'' auf dem besten Weg, der erfolgreichste Film in der Geschichte Hollywoods zu werden. Dem 31-jährigen Regisseur wurden die Schlüssel zum Königreich überreicht.

''Ich habe die Chance, das zu tun, was ich voll und ganz tun möchte,'', sagte er. '⟭ward Scissorhands'' ist eine eigenwillige kleine Fabel, von der er hofft, dass sie 'ɺktualisiert, was Märchen tun sollten.'' Und obwohl er die Freiheit genoss, ein so persönliches Projekt zu machen, er verspürte auch einen gewissen Druck - nicht einen weiteren Blockbuster zu machen, sondern einen Film zu machen, der den Erinnerungen, Träumen und Gefühlen würdig ist, die darin enthalten sind.

''Was mich nervös macht, ist, dass dies einfach mehr Bedeutung hat als alles andere, was ich je zuvor getan habe,'' sagte Mr. Burton. ''Ich hatte noch nie zuvor die Gelegenheit, meine Gefühle vollständig auszudrücken. Mit diesem Bild identifiziere ich mich.''

Die Geschichte von '⟭ward Scissorhands,'' jedoch nicht fremdartiger als die von Mr. Burton's früheren Spielfilmen - ''Pee-Wee's Big Adventure,'' '& #x27Beetlejuice'' und '➺tman'' - ist in der Tat seltsam. Edward (Mr. Depp) wurde von dem Erfinder (gespielt von Vincent Price, der zufällig die Muse von Mr. Burton ist) geschaffen, der in einem mysteriösen Herrenhaus auf einem Hügel mit Blick auf einen typischen pastellfarbenen Vorort lebt. Der Erfinder hatte immer vor, Edwards Klingen durch echte Hände zu ersetzen, aber er stirbt, bevor das passiert, also muss Edward mit seinen gefährlichen Handschuhen fertig werden. Er lebt allein in der Villa, bis die Avon Lady (Dianne Wiest) eines Tages beschließt, in dem unheimlichen alten Haus einen Besuch abzustatten.

Dort entdeckt sie Edward, den sie überredet, mit ihr in die Stadt zurückzukehren. Zuerst umarmt die Nachbarschaft Edward, aber als er sich in die schöne Tochter der Avon Lady (Winona Ryder) verliebt, beginnt die Neuheit nachzulassen. Nachdem Edward dazu verleitet wird, ein Verbrechen zu unterstützen, muss er aus der Stadt fliehen.

''Ich bin mit der Idee von Märchen aufgewachsen, aber ich konnte mich nie wirklich damit identifizieren, '' '' erklärte Mr. Burton. ''Und dann dachte ich, wenn Sie zu der Zeit dabei wären, als 'Rotkäppchen' geschrieben wurde, würde es wahrscheinlich völlig Sinn machen. Hoffentlich werden sie mit 'Scherenhänden' die gleiche Art von Magie und Gefühl bekommen, aber auch ein bisschen besser damit umgehen.''

Mr. Burton umgab sich mit Mitarbeitern, die seine skurrile Vision teilten, vom Schauspieler über den Produzenten über den Drehbuchautor bis zum Produktionsdesigner. '⟚s Drehbuch war lustig,'' Mr. Burton sagte. ''Von den Leuten, die es gelesen haben, haben sie es entweder nicht verstanden oder es hat ihnen gefallen. Und ich hatte großes Glück, Leute zu finden, die es liebten.'' Am Set herrschte Harmonie. Frau Ryder beschrieb die Gruppe als ''Menschen, die auf genau der gleichen Wellenlänge sind und genau die gleichen Gedanken denken.''

Cast und Crew drehten 12 Wochen in Florida, wo sie nach den Worten des Produktionsdesigners Bo Welch 'ɾine Art gewöhnlichen, schlichten Vorort fanden, den wir noch charakterloser gemacht haben, indem wir alle Häuser in gestrichen haben faded pastels, and reducing the window sizes to make it look a little more paranoid.'' The production then relocated to a set in Los Angeles, where Mr. Welch and his crew created shadowy medieval-looking interiors for the mansion scenes .

On one day it was 110 degrees, but Mr. Burton was wearing a rumpled jacket over his black pants and long-sleeved shirt. He was about to film the scene in which Ms. Wiest comes upon Edward in his lair.

''Johnny, give me a little blade action,'' Mr. Burton instructed, and Mr. Depp twisted his wrists so that light glittered from his ''hands.'' He was crouched in a corner of the attic, where Ms. Wiest, in a lavender suit and pillbox hat, discovered him. At first she was frightened, but then her maternal instincts took over, especially when she saw the scars Edward has inadvertently inflicted on himself.

''They sent me a script a year ago, and I thought it was very strange and wonderful,'' Ms. Wiest said. ''I hadn't seen any of Tim's movies, but I went out and saw ➺tman' immediately. I was as taken with the man as I was with his work.''

Later that day, Mr. Depp, the 24-year-old star of the now-canceled TV series '✡ Jump Street'' and the John Waters film 'ɼrybaby,'' exchanged one pair of scissor hands for another in preparation for the next scene. ''The script was one of the two or three best things I've ever read,'' he said. He walked over to where Mr. Burton stood with Vincent Price on a set filled with giant gears and pulleys and a biomorphic assembly line that's reminiscent of Chaplin's ''Modern Times.''

Though it looked more like a widget factory, it was the kitchen of the mansion. The scene they were about to film was one in which the Inventor starts to present Edward with real hands to replace his blades, but dies before he actually attaches them, thus sealing Scissorhands's fate: to never be able to touch people without the possibility of hurting them.

Mr. Burton called '➬tion,'' and the scene went smoothly until the end, when Edward had to gently draw a blade across his dead creator's cheek, leaving a faint trail of blood. The director found it difficult to capture this effect on camera, and the actors went through a great many takes.

Mr. Price's role in the movie, though little more than a cameo, was something of a talisman for Mr. Burton. ''It's hard for me to describe it, but it really helped me growing up just by watching him,'' he said. ''It was more than just a fan thing it's very deep for me.''

In fact, aspects of ''Scissorhands'' can be found in Mr. Burton's earliest film, ''Vincent,'' a five-minute animated work narrated by Mr. Price, about a little boy (unmistakably modeled after Mr. Burton) who has a fantasy life that Poe would envy.

Caroline Thompson, the ''Scissorhands'' screenwriter, said that when she saw the Price short, she knew that she and Mr. Burton '⟊red about the same things and had the same feelings.'' So in tune were they, in fact, that Ms. Thompson wrote '⟭ward Scissorhands'' in three weeks after Mr. Burton showed her a drawing he had done of the character. ''The image just struck me so hard. Tim showed me the drawing and said, 'There's this character that I think about called Edward Scissorhands.' That's all he said. The minute he told me that, we started to talk about it, and the entire story was clear to me.''


FILM ➺tman' Battles for Big Money

Holy oblivious to the mist falling about his gentian fedora, Jack Nicholson presses an orange bullhorn to his mouth - a permanent leer of red in a whiteface mask - and begins his ascent to the helicopter.

''Roll camera!'' rumbles up from the crew huddled in the rain, breathing steam into the damp English night. 'ɺnd . . . action!''

There is the sudden flaring of klieg lights, the deafening whirr of propeller blades and Mr. Nicholson hitting his mark - dangling from the copter and bellowing his lines with all the wild-eyed mania of Daryl Van Horne in ''The Witches of Eastwick'' or the mad ravings of Jack Torrance in ''The Shining.''

Luridly etched in purple and white against the velvet night, Mr. Nicholson is none other than The Joker - that comic book clown prince of crime and the keystone of the upcoming film '➺tman.'' More than a decade in the works, now slated for release this June to coincide with the 50th anniversary of DC's best-selling comic book hero, '➺tman'' the movie has been until recently shrouded in secrecy, ballyhooed in superlatives and plagued by controversy.

At $30 million-plus and top-heavy with stars, the decidedly new-wave '➺tman'' is the biggest Warner Brothers film of 1989. A departure from the campy 1960's television series, the film is a blockbuster gamble along the lines of last year's ''Who Framed Roger Rabbit'' and a much-needed prospective hit in a summer crowded with competitors. '➺tman,'' which, in addition to Mr. Nicholson, features Michael Keaton, Kim Basinger, Billy Dee Williams, Jack Palance and Jerry Hall, will go head to head with ''Ghostbusters II,'' ''Lethal Weapon II,'' ''Star Trek V'' and a second trip '𧮬k to the Future.''

Yet even before shooting began at London's Pinewood Studios last fall, '➺tman'' generated more anger than anticipation among the comic book hero's fans - the hard-core audience for any film such as this. In a massive letter-writing campaign, objections were raised over the studio's emphasis on this high-concept Batman and the refusal to make a serious square-jawed film out of one of the most popular - and psychologically complex - comic book characters.

The controversy, which erupted in the front pages of The Wall Street Journal and numerous trade publications, focused on the casting of Mr. Keaton, best known as the anarchic prankster in last year's comedy hit '𧯮tlejuice,'' as the vengeful vigilante, and the choice of Tim Burton, the '𧯮tlejuice'' creator and former Disney animator, as the film's director. The suspicion voiced by hundreds of angry fans was that '➺tman'' would be a campy send-up similar to the self-parodying but hugely popular 1960's television series.

''Most people think of the TV show when they think of Batman,'' says Maggie Thompson, co-editor of ''The Comic Buyer's Guide,'' the industry bible. 'ɻut that was a series Batman fans saw as ridiculing the art form. The discrepancy between the fan's idea and the average guy's image of Batman is a real problem for Warners. This is like the 'Star Trek' movies. You have to win the fans to insure the film's success.''

Messing with the myth of Batman (in the blockbuster film and in the hundreds of forthcoming licensed materials) has become a delicate and high-stakes public relations act that has had Warners executives running to appease fans at home (including the hiring of Batman's creator, the cartoonist Bob Kane, as the film's consultant) while babysitting the 16-week shoot in London. The Warners executives Terry Semel and Mark Canton and the producer Jon Peters spent weeks pacing the Gotham City set sidelines. (So intense was the interest among the local Fleet Street press that The Daily Mail flew a helicopter reconnaisance mission over the five-block-long set, the biggest since 'ɼleopatra,'' while the competing Sun sneaked in a reporter for an unauthorized ''Holy Scoop, Batman!'' photo spread.) 'ɺ picture this size needs a lot of help,'' says Mr. Peters, during one of the film's final weeks of shooting. ''I'm at risk with Michael [ Keaton ] and Tim [ Burton ] . The image of Batman is a big male model type, but I wanted a guy who's a real person who happens to put on this weird armor. A guy who's funny and scary. Keaton's both. He's got that explosive, insane side.'' Mr. Peters is sitting in the smoke- - or, rather, incense-filled - Studio C on Pinewood's back lot, the site of the film's pivotal cathedral scene. It is the second-to-last day of shooting for Mr. Nicholson, a final sequence in which The Joker is whisked from the cathedral's Gaudi-esque aerie via that helicopter, leaving Batman and Vicki Vale (Ms. Basinger), the film's love interest, to dangle on the proverbial precipice (there is no Robin in the film). While Mr. Keaton, Ms. Basinger and Mr. Nicholson are coached through their acrobatics by Mr. Burton and a clutch of stuntmen, Mr. Peters and crew stand on the sidelines wearing surgical masks as protection against the cough-inducing smoke. The set, hazy and full of long shadows, is evocative of a church vestry, albeit one punctuated by laughter whenever Mr. Nicholson recites his line - a snarled ''What are you laughing at?'' - at one of the cathedral's dour-faced gargoyles.

''I never liked the Batman TV series,'' says Mr. Peters, sliding the mask from his mouth while keeping his eyes on Mr. Nicholson. ''I wanted to do a real aggressive picture, and it wasn't until we got Sam Hamm's script that we found the rough, dark edge we wanted. There's lots of peril in this film and humor, but it's not 'Raiders of the Lost Ark' or 'Ghostbusters.' ''

What exactly '➺tman'' will be is, ah, somewhat shrouded in mystery. The cast has been under wraps for almost the entire shoot, and Mr. Nicholson, who prefers feinting layup shots to speaking to anyone not directly connected with the film, has even refused to participate in the studio-sanctioned documentary ''The Making of Batman.'' Mr. Keaton and Ms. Basinger are only slightly less reluctant.

''I'm just along for the ride on this one,' says Ms. Basinger, shaking the smoke from her blond mane and settling on a dolly during a break. When pressed, she concedes, '➺tman is a legend, not just a cartoon. And the film is emphasizing that wonderful psychological story of three people who, I guess, live in all of us. It's a real visual movie, but Tim Burton has been real good at getting us to decide together where to go in scenes. We've all gotten to do a lot with our roles.''

Mr. Keaton, an affable and unassuming performer who hides behind the sports section during filming breaks, turns terse when asked about '➺tman'' and the controversy over his being cast in the title role. ''You know, Jack's role of The Joker is much more similar to what I did in 𧯮tlejuice,' '' he says, finally. ''That role was so over the top that I just whaled on it. This is different. I keep referring to the film as a painting - Tim calls it a puzzle. I'm just sort of throwing up my hands, saying, 'Paint me in, Big Guy.' ''

Indeed, if there is any common denominator to the cast and crew's perception of the film, it is a disavowal of the original Adam West 'ɺs millionaire Bruce Wayne'' television series and the short-lived 1966 film version, which also starred Cesar Romero as The Joker. It runs like a refrain through Mr. Peters's recounting the film's typically Hollywood history, a narrative that spans a decade and includes at least three earlier scripts, as many potential directors, a hiatus due to the writers' strike, a mention of Bill Murray (''Yeah, yeah, it would have a real different picture but still not like the TV show'') until the final troika - Burton-Keaton-Nicholson - was ensconced.

''I went to the mat for Tim and Michael, but it took a while to get Jack Nicholson,'' says Mr. Peters, who also produced ''The Witches of Eastwick.'' ''We had him over here, walked him around the sets, explained the makeup [ three prosthetic devices and a two-hour application procedure ] . But from the start he was attracted to The Joker. It's a tough role in a really good story.''

For Mr. Burton, whom Mr. Peters describes as 'ɺ brilliant, eclectic visual talent,'' the nub of that story is found, again, not in the POW! BAM! television series, but in the richly nuanced original 1940's Bob Kane strip and in such recent D.C narratives as last year's ''Killing Joke,'' which portrayed The Joker as Batman's doppelganger. ''I wanted to take the comic book material and make it real,'' says the director, a whispery-voiced, Tiny Tim look-alike, during a break in the morning's shooting. ''That's the great thing about these characters they're not superheroes like Superman. They're real people. And this new generation of comic books really explores the psychology and complexities of the characters. It's not just how square the guy's jaw is.''

It is a somewhat unusual approach by the director whose previous work (''Pee-Wee's Big Adventure'' and '𧯮tlejuice'') lent him a Hollywood reputation - not as an actor's director (''I never had to speak as an animator, just show my drawings'') - but as a master creator of artificial visual realities. Mr. Burton, who studied at the California Institute of Art prior to working at Disney, likes to manipulate the look of a film until it becomes a physical extension of the protagonist. ''I always love it when the sets are a character and not just the set,'' says Mr. Burton, who prefers directing from a video monitor.

''Tim has an obsession with the 1950's kitsch. He's brilliant at making the believable, or creating a super-realism,'' says the script writer Sam Hamm later, during a telephone interview from his home in San Francisco. ''That's where a lot of the humor of ➺tman' comes from, playing these inescapably outrageous situations as very deadpan.''

The film began as an urban reworking of ''Mad Max,'' according to Mr. Hamm, who shares screenwriting credit with Warren Skaaren ('➾verly Hills Cop II''). ''Somebody who's larger than life and a little frightening.'' Eventually that point of view gave way to a simple reworking of some of the original Batman myths with ''the premise being, here's a millionaire who can have anything he wants, and what he wants is to get dressed up and scare people,'' says Mr. Hamm, whose sole previous credit is ''Never Cry Wolf.'' ''There is a 'Rosebud' to his character, and it erupts as ➺tman.' That is the psychological thrust of the plot.''

That plot is a fusion of fantasy and reality, humor and derring-do, but whose fulcrum is always the symbiotic relationship between The Joker and Batman - a polarity mirrored in the film's design. Indeed, early footage, including the 90-second trailer currently being shown in selected theaters, shows a deeply shadowed, menacing Gotham City, lit very much like ''The Godfather.'' That is until Nicholson's white-faced Joker leaps out of the frame, a riot of purple, aqua, orange and that trademark green hair.

''We're going with tonal separation, lighting it as if it were black and white but shooting in color,'' says the cinematographer, Roger Pratt, whose previous work includes the films 'ɻrazil'' and ''Mona Lisa.'' 'ɺnd we're using a Kodak film stock that enables us to shoot in very low light while retaining bright effects. But the key is using sets of a single tone against which the Joker just pops out.''

Indeed, a stroll through the five-block Gotham City, a massive but surprisingly unremarkable cityscape of shops and cafes and 'ɽon't Even Think of Parking Here'' signs, doesn't reveal this broad-stroke character until one reaches Gotham Square, a depressing urban canyon evocative of Fritz Lang's ''Metropolis.''

''The idea for Gotham City was to take the worst aspects of New York City, go back 200 years and imagine if there was no planning commission,'' explains the production designer, Anton Furst, with a laugh. Mr. Furst, who was the creator of that flat, menacing Vietnam of Stanley Kubrick's 'ɿull Metal Jacket,'' says much of his inspiration for '➺tman'' came from Orson Welles's film 'ɼhimes at Midnight.'' ''There's fascism and German Expressionsim and a sort of general industrial mix to these buildings,'' he adds. ''The result is timelessness that runs from the 40's to the future. And the humor comes from taking the brutalism to the limit.''

Even the Batmobile, sequestered on this day in the lacquered confines of the Batcave, a dark subterranean lair that is hardly the cheery high-tech laboratory of the television series, is wittily derivative. Twenty feet long with an eight-and-a-half-foot wheelbase and fins to put a ❗ Chevy to shame, it is a Corvette on steroids.

As for Mr. Keaton's bat costume, Bob Ringwood's sculpted latex design required 20 bodies, 25 different cape ''looks'' and 6 different heads. Mr. Keaton, who describes the outfit as incredibly uncomfortable to wear (the cape is literally bolted to the actor's rubber bodysuit), sweats through two Batsuits a day. ''I'm knocked out by the sets and the stunts in this film,'' he says later, dressed in full Batman regalia right down to the dried blood on his lip. The actor has taken a moment - in a burst of Bruce Wayne politesse - to leap from the set in order to brief a visitor on some directorial nuances on the scene. ''Michael!'' comes the call from Mr. Burton somewhere in the haze. ''Oh, pardon me,'' says Mr. Keaton. And with a flourish of black rubber, Batman slips back into the shadows.


Review/Film And So Handy Around The Garden

AT the far end of a suburban enclave, where the houses huddle together like a candy-colored wagon train, there stands a monument to lonely genius. Atop a forbidding gray mountain, in yet another of the strange and ingenious outposts that the heroes of Tim Burton's films ("Batman," "Beetlejuice," "Pee-wee's Big Adventure") call home, Edward Scissorhands lives in isolation. He uses his extraordinary gifts to create magical artworks that, he imagines, no one will ever see.

Edward has apparently hidden here for a long time, with nary a trip to the grocery store. But one day, as seems perfectly reasonable in the ripe, fanciful pop universe in which "Edward Scissorhands" unfolds, a thoughtful Avon lady (Dianne Wiest) pays a visit. Seeing Edward, she immediately grasps that he has a problem and sweetly imagines that it can be solved with kindness, not to mention the makeup base of exactly the right hue. So the Avon lady brings the outcast back to her home, where he amazes the neighbors with his rare feats of snippery. He's a wizard when it comes to poodles.

In a sense, Mr. Burton is too. His "Edward Scissorhands" is as crazily single-minded as a majestic feat of dog barbering, with much the same boldness, camp ebullience and fundamentally narrow wit. Like a great chef concocting an exquisite peanut butter-and-jelly sandwich, Mr. Burton invests awe-inspiring ingenuity into the process of reinventing something very small. In the case of "Edward Scissorhands," which opens today at the Ziegfeld, that something is a tale of misunderstood gentleness and stifled creativity, of civilization's power to corrupt innocence, of a heedless beauty and a kindhearted beast. The film, if scratched with something much less sharp than Edward's fingers, reveals proudly adolescent lessons for us all.

On, then, to the better side of "Edward Scissorhands": the tremendous cleverness with which Mr. Burton brings these ideas to life. As embodied by Johnny Depp, Edward himself is a stunning creation, with a blackish cupid's-bow mouth and plaintive expression to offset his fright hairdo, abundant scars and potentially lethal hands.

Those hands, which quiver uncontrollably when Edward experiences strong emotion, are the one aspect of the young man that his creator (played by Vincent Price, who was a hero of Mr. Burton's when the director was still a young Disney animator) neglected to complete. The inventor died just before he could equip Edward with human hands, thus leaving him with these scissor-bladed prototypes. They make a great sight gag, if not a great metaphor.

As in each of Mr. Burton's films, the production design is the central good idea, perhaps even the sole one. This time, with production design by Bo Welch ("Beetlejuice") and cinematography by Stefan Czapsky, it involves bright colors in unlikely combinations, for instance, a lavender-suited Avon lady driving a dandelion-yellow car) and fashionably ridiculous late-1950's artifacts placed prominently throughout the characters' bunkerlike homes. On the lawns of these houses, more and more of Edward's singular topiaries -- in the forms of a ballerina, a penguin, a set of bowling pins and so on -- begin to appear.

It is very much in keeping with the film's fearless, defiant illogic that these shrubbery sculptures should appear where no shrubs grew before. Similarly, the film makes no bones about depicting Winona Ryder as a white-haired granny in the not noticeably futuristic prologue, and as a high school girl, circa 1960, when most of the action takes place. Ms. Ryder, in the former capacity, promises to explain to a grandchild what the story of Edward Scissorhands has to do with snowfall. It's also in keeping with the film's reasoning that the explanation for this, when finally revealed, isn't nearly as interesting as promised.

Ms. Ryder plays Kim Boggs, the daughter of the Avon lady, Peg, and a dryly deadpan patriarch (played by Alan Arkin). As lovely as she is diffident, she makes an enchanting Beauty to Mr. Depp's poignant, bashful Beast. When Edward first arrives in suburbia, he is so flustered that he scares Kim away. (He also inadvertently punches holes in her waterbed.) But he soon becomes part of the household and part of the community, despite insensitive questions -- like "Do you know about bowling?" -- from the locals.

Soon Edward is so much at home that he is virtually a household convenience, helping Peg snip threads when she sews. He also becomes extremely popular with the women of the neighborhood, some of them fascinated by his knack for inventing odd haircuts, and one (played with funny flamboyance by Kathy Baker) especially interested in discovering his other talents. The women in the film, with the exceptions of Peg and Kim, are ninnies, but the men are no more flatteringly presented. Kim's boyfriend (Anthony Michael Hall) is a lout, a bully and the cause of Edward's eventual undoing.

Among the film's more haunting visual touches, all of which linger much longer than the possible reasons for their inclusion, are the peculiar shrinelike assemblage of clippings in Edward's fireplace the bladelike beams that open a hole in his roof to the heavens and the inventor's cherished machinery, so pleasantly antiquated that the machines seem to have animal faces. The traces of warmth that spring up unexpectedly, even in the sequence that finds Edward and Kim amid snow and ice, are what save "Edward Scissorhands" from its own potential archness and give it the sweetness of a bona-fide fairy tale. "Edward Scissorhands" is rated PG-13 (Parents strongly cautioned). It includes sexual suggestiveness and occasional rude language. Edward Scissorhands Directed by Tim Burton screenplay by Caroline Thompson, story by Mr. Burton and Ms. Thompson director of photography, Stefan Czapsky edited by Richard Halsey music by Danny Elfman production designer, Bo Welch produced by Denise Di Novi and Mr. Burton released by 20th Century Fox. At the Ziegfeld, Avenue of the Americas and 54th Street in Manhattan. Running time: 100 minutes. This film is rated PG-13. Edward Scissorhands . . . Johnny Depp Kim . . . Winona Ryder Peg . . . Dianne Wiest Jim . . . Anthony Michael Hall Joyce . . . Kathy Baker The Inventor . . . Vincent Price Bill . . . Alan Arkin Helen . . . Conchata Ferrell


Inhalt

Roman

In the book, Arthur Slugworth is one of Willy Wonka's rival chocolatiers. Slugworth, along with Wonka's other rivals Mr. Fickelgruber and Mr. Prodnose, sent in spies to steal the secret recipes to Wonka's treats for them.

Having obtained these, he began making candy balloons that a consumer blows up to incredible sizes, and then causes to burst before eating them a plagiarized invention.

The work of Slugworth (along with the other rivals) came close to ruining Wonka's factory. Wonka was forced to close his factory and fire all of his workers. A few years later, Wonka's factory began working again (operated exclusively by Oompa-Loompas) and his work continued to dominate the candy industry, with no rival able to plagiarize his work because using the Oompa Loompa as his workers enables Wonka to operate his factory without regular employees and keeping it off-limits to the public, so none of the spies can infiltrate.

Slugworth is never heard from again, but it is stated that Slugworth, Prodnose, or Fickelgruber would each give their front teeth to enter Wonka's inventing room (a laboratory) for 5 minutes. It's presumed that Slugworth, alongside Prodnose and Fickelgruber, may have continued their businesses, but as Willy Wonka stopped hiring human employees, it's likely they no longer were able to produce special treats like those of Wonka.

1971 film

In the 1971 film Willy Wonka und die Schokoladenfabrik, Slugworth's company is in business. Inside Bill's Candy Shop, Wonka's products and signs are the most visible but Slugworth's Sizzlers are also prominently displayed, and one is even sold to a child called June Marie.

Things that are also seen are signs for Fickelgruber's candy. Grandpa Joe describes Slugworth as the worst of Wonka's rivals, telling Charlie that he was one of those who sent his spies in dressed as Wonka workers to steal Wonka's Recipes.

A man calling himself Slugworth is a prominent character later in the film-where he was portrayed by the late Günter Meisner. As each Golden Ticket is found, he approaches the finder and whispers something into his or her ear. After Charlie finds the last ticket, the same man then approaches Charlie as well, and delivers what is presumably the same speech he has given the other children.

He introduces himself as Arthur Slugworth, president of Slugworth Chocolates Incorporated, and bribes the child to bring one piece of the newly invented Everlasting Gobstopper to him so that he can discover and plagiarize the formula. Two of the children respond to Slugworth's bribe. Veruca Salt crosses her fingers behind her back when Willy Wonka asks the children to promise not to show the Everlasting Gobstopper to anyone else.

Mike Teevee asks his mother what secrets they can sell to Slugworth his mother is also heard telling her son to keep his eyes peeled and his mouth shut. Grandpa Joe also responds near the end of the movie. After Willy Wonka snaps at him and Charlie Bucket for violating the rules by stealing Fizzy Lifting Drinks and bouncing up the ceiling which needs to be washed as a reason of why Charlie didn't get the prize, Joe threatens to give Slugworth the Gobstopper. However, Charlie can't bring himself to betray Wonka and thus returns the Gobstopper to Wonka.

Touched by this display of selflessness, Wonka forgives the theft of the Fizzy Lifting Drinks and reveals that the man isn't actually Slugworth, but a non-Oompa Loompa Wonka worker named Mr. Wilkinson, and that his "offer" was a morality test, which only Charlie passesd.

The movie doesn't explain how the false Wilkinson was able to approach each winner so soon after they found their tickets. However, it's implied that Wonka somehow managed to keep track of each ticket's destination and then he told Wilkinson where they are most likely to be found. This seems likely, as in the 2005 film, Wonka personally places the tickets on the candy bars and they are then shipped to specific locations.

2005 film

Slugworth only makes a split-second appearance in Tim Burton's Charlie and the Chocolate Factory where he was portrayed by Philip Philmar. He receives a secret recipe from fellow envious candymaker Prodnose and both of them were not heard of again.

Tom and Jerry: Willy Wonka and the Chocolate Factory

In the film, he invades Wonka's chocolate factory to steal a special candy known as the Everlasting Gobstopper. Despite his seemingly antagonistic nature, his reveal as being an employee of Wonka like the original 1971 film is revealed. He was voiced by Mick Wingert.


11 Great Titles Expiring From Netflix in April

Every month, as various licenses expire, streaming services lose movies and TV series from their catalogs. Here are 11 great movies and TV shows leaving Netflix in April.

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There’s no greater testament to the skill and craft of this 1995 smash from Ron Howard than the fact that he manages to build (and sustain, for two-plus hours) tension and suspense around an event with a widely known outcome. That event is the Apollo 13 lunar mission in 1970, intended to be the third manned landing on the moon but aborted after a mechanical failure that put the lives of its three astronauts in jeopardy. Tom Hanks, Kevin Bacon and Bill Paxton project credible professionalism in those roles, finding the proper, fleeting moments to let their understandable fear and frustration blast through an Oscar-nominated Ed Harris is brilliant as the flight director on the ground, marshaling the minds tasked with bringing their boys home.

‘Batman’ / ‘Batman Returns’
Leaving Netflix: 1. April

Once upon a time, a big-budget, big-screen adaptation of a popular comic book was actually a big deal. But the attraction to Tim Burton’s 1989 “Batman” wasn’t just its subject, but its style: The Gothically-inclined Burton (“Batman” was released between “Beetlejuice” and “Edward Scissorhands”) followed the lead of the graphic novels by Frank Miller, eschewing the fizzy, cartoon-pop sensibility of the ’60s television series (and its film spinoff) and crafting a decidedly darker take on the Dark Knight, casting Michael Keaton against type in the title role opposite a riveting (and scenery-chewing) Jack Nicholson as the Joker. It was so successful, Burton was given more even freedom on its 1992 follow-up, which takes Gotham into grimmer territory thanks to Danny DeVito’s freakish take on the Penguin and Michelle Pfeiffer’s sizzling turn as Catwoman.

‘Caddyshack’
Leaving Netflix: 1. April
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One of the most quotable comedies of the modern era (“Cinderella story,” “Be the ball,” “So I got that goin’ for me, which is nice”), this 1980 favorite from director Harold Ramis (“Groundhog Day”) often feels like channel surfing between several movies at once: a W.C. Fields-style personality comedy starring Rodney Dangerfield a wiseguy, post-‘Saturday Night Live’ vehicle for Chevy Chase a slapstick farce starring Bill Murray and an earnest coming-of-age comedy-drama featuring Michael O’Keefe. But the inconsistency and incongruity somehow mesh, due in part to the picture’s spirit of cheerful, slobs-vs.-snobs anarchy, resulting in something akin to a coked-up Marx Brothers movie.

‘Cool Runnings’
Leaving Netflix: 1. April
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One of the highlights of the 1988 Winter Olympics (from a storytelling perspective, if not a sporting one) was the debut of the Jamaican national bobsled team, which quickly became a fan favorite for their clear discomfort with an event not exactly common to their tropical home. But it soon became a feel-good underdog story of teamwork in the face of adversity — in other words, ideal fodder for a big-screen dramatization by Disney. And what could have been a one-joke physical comedy play instead became a warmhearted ’90s classic, thanks to the energetic direction by Jon Turteltaub (“National Treasure”) and the charismatic turns by Doug E. Doug, Leon, Malik Yoba, and Rawle D. Lewis as the team members, and (in one of his final performances) the great John Candy as their coach.

‘John Mulaney: New in Town’
Leaving Netflix: 1. April
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This 2012 special from John Mulaney, the former “Saturday Night Live” writer and stand-up comic extraordinaire, which originally aired on Comedy Central, was only his second such showcase, but he already showed an old-timer’s mastery of the form. His deceptively simple persona, of a meek but good-hearted soul doing his very best to navigate a complicated world, proves durable and reliable as he explores dating, doctor’s visits and basic social interactions. The show’s funniest (if somewhat specialized) bit, however, may be his lengthy rumination on the pleasures of “Law & Order: Special Victims Unit” and its resident skeptic, Ice-T.

‘Never Let Me Go’
Leaving Netflix: 1. April
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Kazuo Ishiguro’s 2005 dystopian romance novel gets the big-screen treatment in this 2010 drama from director Mark Romanek (“One Hour Photo”). Keira Knightley, Carey Mulligan and Andrew Garfield star as three students and occasional romantic partners who discover, in their teens, that all of them are clones — born and raised for the eventual harvesting of their organs. Screenwriter Alex Garland displays the thoughtful, chamber-music approach to science fiction of his subsequent “Ex Machina” and “Annihilation” (both of which he directed). Romanek, meanwhile, pulls off the neat trick of creating a cold, sterile world that is nonetheless infected by warmth and humanity — attributable in no small part to the skillful work of his crackerjack cast.

‘The Shawshank Redemption’
Leaving Netflix: 1. April
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Removing this 1994 prison drama from Netflix probably won’t dent its ubiquity — it’s a regular topper of IMDb’s Top 250 list and it seems to pop up on TNT or TBS on a near-weekly basis. But it still smarts not to have this cinematic comfort food a mouse-click away, as it features the quintessential Morgan Freeman performance (wise, calm, and narrating for clarity) and some of Tim Robbins’ most complicated work (as a man who says little and reveals even less). Frank Darabont’s patient filmmaking, in which a series of seemingly casual vignettes crescendo into an emotionally overwhelming climax, makes this a particularly re-watchable film, in which little throwaways and asides take on extra meaning upon second (and third, and tenth) viewings.

Between his first and second cracks at Batman, director Christopher Nolan slid in this twisty, stylish exercise in sleight-of-hand moviemaking, as if to assure the fans of his breakthrough movie “Memento” that he was still up to his old tricks. This time around, the term “tricks” is literal: In “The Prestige,” Nolan tells the story of two stage magicians in 1890s London, whose friendly rivalry first becomes fraught, then deadly. Hugh Jackman and Christian Bale scheme and connive appropriately in the leading roles a standout supporting cast includes Michael Caine, Scarlett Johansson, Rebecca Hall and David Bowie.

The enigmatic and eccentric street artist Banksy directs this Oscar-nominated 2010 documentary, in which he profiles the rise of Thierry Guetta, known by the street-art name “Mister Brainwash.” Frisky and funny, it casts a cynical insider’s eye on the art world, as well as on Banksy’s place inside it — particularly in retrospect because of rumors that Guetta was, in fact, a creation of Banksy’s and that the entire story is a made-up prank. The director (who never reveals his face in the film) has denied the rumors, but they lend an extra dimension to this film, in which everything (and perhaps everyone) could be a bluff.

‘Begin Again’
Leaving Netflix: 27. April
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The Irish writer and director John Carney revisited his microbudget, Oscar-winning indie sensation “Once” with a well-financed, star-cast exploration of the same themes: the magnificence of pop music, the semi-romantic charge of collaboration and the power of a song to say what can’t be put into words alone. Keira Knightley is charming (and believable) as a songwriter who finds an unexpected champion in a burned-out record executive (Mark Ruffalo). The musical numbers are stirring, and the dramatic beats land, but its best scene is its simplest: its two protagonists, wandering through New York City with their headphones, playing each other their favorite songs. Sweet but not saccharine, it is full of tiny moments of truth.


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